Martes, 24 de Abril de 2018 | 3840795 páginas vistas
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21-04-2005
Entrevistamos a Haruito Ota, Pintor Hiperrealista y gran admirador de Moratalaz.

* Hemos conocido a Haruito Ota, reconocido pintor con distintos premios importantes y que ha mostrado un especial interés por nuestro Barrio de Moratalaz, en su búsqueda constante por encontrar nuevos lugares urbanos para plasmar su gran imaginación en sus pinturas.


... Hay pinturas que componen en sí mismas una poética particular llena de opciones y de contenidos, planteando en todos ellos una exquisita y delicada manera de combinar dibujo y color en realismo evidente. Con estos argumentos, es difícil escapar a su atrayente encanto. * Haruhito Ota además de saber pintar y mejor dibujar, trabaja con gusto, describe con minuciosidad acertada, y por qué no decirlo con paciencia oriental, todo aquello que le llama la atención. Nada de esto es producto del azar, ya que este interesante pintor se licencia en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Mushashino de Tokio y completa sus estudios, ya residente en España, en la Escuela Superior de la Real Academia de San Fernando (Madrid) y en el Círculo de Bellas Artes de la misma ciudad, ampliando con ello sus conocimientos en estilos y técnicas generando su propio camino.



 


 


Haruito Ota, ha tenido la amabilidad de contestar a las siguientes preguntas de Nuestro Informativo:


Tu opción de residencia desde Japón a España no es nada convencional. ¿Por qué decidiste fijar tu residencia en nuestro país?


Hasta ahora muchas veces me han preguntado lo mismo, y la contestación también era casi siempre la misma. Pero hoy voy a ahondar un poco más. Desde que era estudiante de Bellas Artes en la Universidad de Japón, me interesaba mucho Goya, especialmente el cuadro titulado "La Lechera de Burdeos". Habitualmente me preguntaba ¿por qué existe el arte? o ¿por qué el hombre hace arte?; la contestación la encontré en este cuadro. "La Lechera de Burdeos" es capaz de transmitir la emoción de Goya, algo totalmente subjetivo de forma que se pueda compartir objetivamente con el otro. Esto es el arte perfecto. Cuando miré por primera vez el cuadro de "La Lechera de Burdeos" en el Museo del Prado me dije ¡es el autorretrato de Goya!. Es increíble, estaba reflejando la alegría tan intensa que sentía el pintor al encontrar por fin el arte que estaba buscando, logrando que la emoción de la muchacha (la lechera) y la suya se fusionaran. ¡Qué belleza! ¡Cómo ha logrado alcanzar el arte perfecto! Para poder conocer esto decidí venir a España.


Al observar tu obra se tiene la sensación de poder apreciar una belleza estética equilibrada. Una elegancia sencilla. Haruhito ¿Qué es para ti la belleza?.


La belleza en sí misma por mucho que se intente expresar, es imposible porque no existe. Suena raro de boca de un pintor que se supone anda en su búsqueda, oirle decir que no existe. ¿Verdad? El duende no se ve, pero existe. La belleza y el duende son como las dos caras de una misma moneda. La belleza no existe pero se ve. Para que ésta pueda verse se tienen que conjugar tres cualidades esenciales: el sosiego, la claridad y la amplitud; cuando se poseen de forma equilibrada, entonces es posible contemplarla. La belleza para mí es la meta de mi arte.


Tu evolución artística te lleva a realizar magníficas perspectivas urbanas de diferentes ciudades del mundo: Madrid, Nueva York... vistas panorámicas en las que retratas el tejido urbano con verdadero cuidado, recreándote en cada detalle y en cada uno de los matices con que la luz baña los diferentes momentos del día. ¿Qué importancia tiene para ti la luz y la sombra en estas composiciones?


Contrastes, claroscuros, luces y sombras, me gusta utilizarlos porque cuanto más grandes sean las diferencias, las formas surgen claras y armoniosas. En el paisaje urbano, utilizo la luz y la sombra como composición plástica con el fin de obtener un equilibrio. Hay otro sentido del concepto de luz y sombra en mi pintura, pero es un poco más complicado. El significado de la palabra "medio" es bien diferente en Oriente y en Occidente. En Oriente hay dos acepciones para esta palabra, pero en Occidente solamente una. Cuando se pregunta ¿Qué quiere decir la palabra “medio”? Naturalmente se contestaría que “medio” es la mitad de dos extremos. Pero allí en Oriente hay otro concepto para esta palabra, se llama CHUYOU y viene del confucianismo. CHUYOU es el conjunto de los dos extremos, es decir, es una moneda con sus dos caras el anverso y el reverso. La luz y la sombra es contraste y son bien diferentes entre si pero, gracias a estos dos conceptos contrarios, aparece o surge algo. En mi caso, concretamente, es la armonía. Al utilizar la luz y la sombra en el paisaje urbano pretendo expresar la armonía a través de la composición plástica.


¿Por qué después del paisaje urbano, tu inspiración se centra en la creación de paisaje rural?


Durante la década de los 80 centré toda mi atención en el paisaje urbano. Por aquel entonces, trabajaba en una serie de cuadros de Nueva York y casi sin darme cuenta me enamoré de la perspectiva artificial, de las líneas verticales de los rascacielos y de la soledad de la metrópolis. ¡Hasta tal punto estaba concentrado en el trabajo que incluso en el sueño se me figuraban las líneas rectas de los rascacielos. Era el año 1991, cuando después de casarme, visité por primera vez Extremadura. Realmente fue impresionante sentir la naturaleza, la limpia claridad de sus cielos, el silencio y el olor del campo. Entonces se me figuró una perspectiva tan amplia, que me permitió respirar con todo el cuerpo. Me decía: ¡Qué maravilloso poder oír el ruido de las alas de un águila, que estaba volando a más de 200 metros de distancia! ¡Qué silencio! La amplitud, el silencio y la soledad eran sensaciones completamente diferentes a las experimentadas en la ciudad. Cuando un pintor encuentra la inspiración ya no puede hacer otra cosa que expresar. Así comencé a pintar los paisaje rurales. Gracias a estas composiciones encontré algo que no podía imaginar, la poesía sumergida en el paisaje, escondída en los árboles, en el cielo, a veces azul y otras salpicado de nubes, en sus caminos de tierra... Esa poesía era totalmente diferente de la literaria y diferente también de la expresada por muchos pintores como Marc Chagall, Paul Klee, Joan Miró, Picasso, etc. Me parecía como si los árboles, el cielo o los campos murmurasen o cantasen algo, no sé, me parece muy difícil hablar de ello. A lo mejor, las palabras de Jacinto Benavente pueden explicar algo más de lo que yo sentía:


Materializar lo espiritual hasta hacerlo palpable, espiritualizar lo material hasta hacerlo invisible, ese es todo el secreto del arte.¡Si pudiera sacar la poesía sumergida en mi pintura, hasta que cantara, eso sería realmente para mí la belleza perfecta!


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